Τέχνη του ΧΧ αιώνα στις συλλογές άνοιξη-καλοκαίρι

ΣΕ ΜΟΝΑΔΙΚΟ ΚΕΦΑΛΙ μιλά για τάσεις από το βάθρο που μπορούν να προσαρμοστούν για την ντουλάπα σας για τους επόμενους έξι μήνες. Σε αυτό το τεύχος ασχολούμαστε με την πιο φωτεινή τάση της εποχής - τέχνης, η οποία εμφανίστηκε στις συλλογές άνοιξης-καλοκαιριού από σχεδιαστές της Prada έως το Prabal Gurung.

Πώς όλα άρχισαν

Οι ιδέες του κόσμου της τέχνης έχουν επηρεάσει πάντα το σχεδιασμό των ρούχων και των υφασμάτων. Στη δεκαετία του 1920, οι avant-garde και Fauvists, υπό την ηγεσία του Henri Matisse, επηρέασαν τη μόδα, η οποία μπορεί να ανιχνευθεί στα ρούχα του Paul Poiret. Η Madeleine Vionne αγάπησε τον κυβισμό και χρησιμοποίησε γεωμετρικά σχήματα και γραμμές σε ρούχα και ο φουτουριστικός καλλιτέχνης Ernesto Tayat σχεδίασε το λογότυπο για το σπίτι της Vionnet. Στη δεκαετία του '30 ήρθε το πάθος για σουρεαλισμό. Η Elsa Schiaparelli δημιούργησε κουμπιά με τις καραμέλες και τα φιστίκια και ήταν φίλοι με τον Σαλβαδόρ Νταλί και τον Jean Cocteau, δείχνοντας το μεταξωτό φόρεμα με αστακούς, το σακάκι, που απεικόνιζε μια γυναίκα με μακριά μαλλιά που έτρεξε κάτω από το μανίκι και τα χέρια τυλιγμένα γύρω από τη μέση. Αυτές και άλλες ιδέες θα προκύψουν περισσότερο από μία φορά στους σύγχρονους σχεδιαστές, συμπεριλαμβανομένων των ρωσικών (σκεφτείτε τη συλλογή του Αλεξάνδρου Terekhov Φθινόπωρο-Χειμώνας - 2013).

Οι δεκαετίες του '50 και του '60 έγιναν μια εποχή που η μόδα, η μουσική και η τέχνη συνυφασμένες, και η εμφάνιση της έγχρωμης τηλεόρασης ολοκλήρωσε την ανακάλυψη της οπτικής κουλτούρας. Ταυτόχρονα, δημιουργήθηκε μια κουλτούρα κατανάλωσης, αναπαραγωγής και μαζικής αγοράς - ό, τι δεν έχει χάσει τη θέση της μέχρι στιγμής. Οι νέοι χύθηκαν σε δημιουργικά κολλέγια και πανεπιστήμια, ενώ στο Λονδίνο και τη Νέα Υόρκη έγινε μοντέρνα να είναι σχεδιαστής, φωτογράφος, μοντέλο, γραφίστας ή σχεδιαστής μόδας (και δεν σταμάτησε ποτέ). Οι σχεδιαστές μετατράπηκαν σε αστέρια (για παράδειγμα, ο Pete Townsend από το The Who ή ο Keith Richards από την The Rolling Stones) και οι καλλιτέχνες δημιούργησαν αφίσες για συναυλίες και καλύμματα άλμπουμ, καθώς η τέχνη εμφανίστηκε σε κάθε λαμπτήρα.

Τα ονόματα των καλλιτεχνών ποπ καλλιτεχνών γνωρίζουν τα πάντα: ο Richard Hamilton, ο Roy Lichtenstein, ο Andy Warhol - ήταν οι πρώτοι που αντανακλούσαν την καταναλωτική κοινωνία και τον λαϊκό πολιτισμό, απεικονίζοντας τι ενδιαφέρει τους ανθρώπους εδώ και τώρα (διαφήμιση, τηλεόραση, αγαθά από καταστήματα). Ο πατέρας της ποπ τέχνης θεωρείται ο Βρετανός Ρίτσαρντ Χάμιλτον, ο οποίος δημιούργησε το πρώτο και πιο διάσημο κολάζ "Έτσι τι κάνει τα σπίτια μας σήμερα τόσο διαφορετικά, τόσο ελκυστικά;" το 1956. Ο Roy Lichtenstein πειραματίστηκε με εικόνες κόμικς και κινούμενων σχεδίων. Ο Andy Warhol, πριν γίνει καλλιτέχνης, εργάστηκε ως εικονογράφος, φαίνεται ότι σε όλα τα μοντέρνα συντακτικά γραφεία της Νέας Υόρκης πήρε τις σωστές συνδέσεις και έδωσε το πράσινο φως στο μίγμα των ειδών. Ο John Cale του χορηγού του Warhol, The Velvet Underground, παντρεύτηκε τον σχεδιαστή μόδας Betsy Johnson, ο οποίος πρόσφατα συνέχισε την παραγωγή ρούχων σε ηλικία 72 ετών. Εκείνη την εποχή, η Betsy δημιούργησε αστεία μπλουζάκια κάτω από την ετικέτα Youthquake και εργάστηκε σε ένα από τα κύρια καταστήματα της Νέας Υόρκης της εποχής - το Paraphernalia on Madison Avenue, το οποίο συνεργάστηκε με την Edie Sedgwick και τον Warhol, οι οποίοι με τη σειρά τους ζωγράφιζαν χαρτί για το κατάστημα. μίνι φορέματα και τσάντες αγορών (τα ρούχα μίας χρήσης ήρθαν στη μόδα τότε).

Ήταν κατά τη διάρκεια της ακμής της pop art στη δεκαετία του '60 ότι υπήρχε ανάγκη για φτηνό και γρήγορο σχεδιασμό - τα καταστήματα ανταποκρίθηκαν γρήγορα στα αιτήματα των ανθρώπων. Για παράδειγμα, το κατάστημα Biba στο Abingdon Road ενημέρωσε τις συλλογές του κάθε εβδομάδα - αυτή είναι μια τεχνική που τώρα λειτουργεί με επιτυχία τη μαζική αγορά. Ο Twiggy έγραψε: "Όλα πήγαν έξω από τη μόδα τόσο γρήγορα όσο ήρθε. Ωστόσο, ήταν μόνο ο σύγχρονος που προσέλκυσε, έσπρωξε όλα τα παλιά."

Η αγνοία της ποπ τέχνης ήταν αδύνατη. Η Yves Saint Laurent εφευρέθηκε σε φόρεμα από πλεκτά φορέματα με εφαρμογές με τη μορφή καρδιές, θηλυκά προφίλ, καθώς και χείλη, τα οποία ερμήνευσαν πρόσφατα την Edie Slimane. Μετά τη συλλογή Saint-Laurent "Mondrian" το 1965, ο Stephen Willats δημιούργησε ένα παρόμοιο φόρεμα "Changing Sheets", αλλά μόνο από το νεοφιλελεύθερο βινύλιο. Ο Pierre Cardin πειραματίστηκε με βινύλιο και ο Roy Halston δημιούργησε φορέματα με τα "Λουλούδια" του Warhol του 1964, τα οποία ανέφερε η Miuccia Prada στην συλλογή άνοιξη-καλοκαίρι του 2013.

Στη δεκαετία του '80, ο καλλιτέχνης Keith Haring, γνωστός για τη γκράφιτι του pop art, θα ανοίξει το Pop Shop στη Νέα Υόρκη, όπου θα πουλά τα μπλουζάκια με τα έργα του. Η Vivienne Westwood θα συνεργαστεί επίσης με τον Haring στη δεκαετία του 80 στη συλλογή Μάγισσες, όπου ο Βρετανός θα αναπαράγει τα έργα του καλλιτέχνη με φωτεινά χρώματα και σήμερα τα έργα του Haring σε μπλουζάκια εφαρμόζονται από την μάρκα Uniqlo, η οποία επίσης κυκλοφόρησε μια συνεργασία με το Μουσείο Σύγχρονης Τέχνης της Νέας Υόρκης. Το 1991, η pop art θα αποδείξει για άλλη μια φορά: η ιταλική Gianni Versace θα δημιουργήσει ένα σφιχτό-φόρεμα φόρεμα με μια εκτύπωση των stencil όξινες όψεις Marilyn Monroe και James Dean, αποδίδοντας φόρο τιμής στον Andy Warhol. Συμπληρωματικά προς τα ασυμβίβαστα χρώματα του φορέματος θα είναι ένα μαντίλι στυλ μανικιούρ, διακοσμημένο με στρας και εφαρμογές υφασμάτων. Η νεαρή Naomi Campbell θα εμφανιστεί σε αυτό το φόρεμα και ο Πρόεδρος Condé Nast Nicholas Coleridge θα σημειώσει ότι ο πελάτης της Versace δεν επιβαρύνεται με «υψηλή ηθική».

Πώς να φορούν πράγματα εμπνευσμένα από την τέχνη, τώρα

Οι σχεδιαστές δεν είναι η πρώτη εποχή για να δούμε την τέχνη, στη συνέχεια να βάλουμε σε εκτυπώσεις ρούχων, αναπαραγωγές διάσημων καλλιτεχνών (Bosch και Gauguin αναφέρονται συχνά εδώ), στη συνέχεια συνεργάζονται με σύγχρονους καλλιτέχνες. Ωστόσο, αυτή η εποχή δόθηκε ιδιαίτερη έμφαση στην ποπ τέχνη, αν και δεν έκανε χωρίς Gauguin (είδαμε τις αναπαραγωγές του στην έκθεση Aquilano.Rimondi και στη συλλογή couture Maison Martin Margiela). Με τη δεκαετία του '60 και την ποπ τέχνη, η σύγχρονη μόδα σχετίζεται και η εμπορευματοποίηση της μόδας και της τέχνης. Η πιο εντυπωσιακή εκδήλωση της ποπ τέχνης ήταν η συλλογή Prada - η Miuccia Prada ξανασκεφτόταν το έργο των σύγχρονων καλλιτεχνών: Pierre Morne, Jeanne Detallante, Stinkfish, Gabriel Spectra και άλλοι. Επιπλέον, αρκετές μάρκες που παράγουν κομψά συμπλέγματα έχουν γίνει δημοφιλείς: η τσάντα της Sarah διαθέτει έργα του Roy Lichtenstein, το Yazbukey δημιουργεί φωτεινά συμπλέγματα με τη μορφή πακέτου τσιγάρων ή οδοντόκρεμας, το βρετανικό Lulu Guinness - με τη μορφή χείλη. Ο Ζαν-Σαρλ ντε Καστελμπάιτς, ο Τζέρεμι Σκοτ ​​και ο Ασίς στην ποπ τέχνη, ο σκύλος έφαγε: εδώ εσείς και η Coca-Cola, και μια εκτύπωση με τη μορφή πρόληψης στην τηλεόραση.

Επιπλέον, ο Jeremy Scott, στην συλλογή της επόμενης σεζόν για το Moschino, παρουσιάζοντας τα φορεματάκια, αναφέρει τα πρώτα πράγματα που δημιουργήθηκαν για τη διαφήμιση το 1956, συγκεκριμένα τα φορέματα και οι φούστες του μήκους Label Martini, διακοσμημένα πλήρως με τα λογότυπα μάρκας που φορούσαν οι πρώτοι οπαδοί της ροκ. ρολό για δωρεάν ποτό φεστιβάλ. Ο Christopher Kane δημιουργεί φούστες με μια εκτύπωση με τη μορφή αντιγραμμένων χρωμάτων, υπενθυμίζοντας το έργο της δεκαετίας του '60. Ο Raf Simons για το Christian Dior χρησιμοποιεί την τεχνική της pop art - logomania. Το Missoni εμπνέεται από τα ιαπωνικά κόμικς. Το Kenzo αναφέρει σύγχρονα γραφικά και σκίτσα με μολύβια. Το Prabal Gurung δημιουργεί το φόρο τιμής του Marilyn Monroe. Το Preen εφαρμόζεται στην αφαίρεση φόρεμα.

Αρκετά εμπορικά σήματα εμπνεύστηκαν αμέσως από τον αφηρημένο εξπρεσιονισμό, κυρίως από τα έργα του Jackson Pollock και του Mark Rothko. Στη συλλογή Chanel, ο Lagerfeld τυπώνει εκτυπώσεις σε ρούχα με τη μορφή έντονων πιτσιλιών χρώματος και κοσμεί το χώρο της έκθεσης με 75 έργα τέχνης με σύμβολα του σπιτιού Chanel. πίνακες ζωγραφικής, γλυπτά και εγκαταστάσεις μετά την παράσταση μεταφέρθηκαν στο Grand Palais στο Παρίσι. Πριν φύγει από τον Jil Sander, ο Gilles Zander συμπεριέλαβε επίσης διάφορα τόξα με αφηρημένες εκτυπώσεις στην πιο πρόσφατη μοναδική συλλογή άνοιξη-καλοκαίρι. Η Phoebe Failo κυκλοφόρησε τη συλλογή Séline, φαίνεται να ταιριάζει με το Fauvism και μια μεγάλη έκθεση "Henri Matisse: Τα Cut-Outs, που πηγαίνει στην Tate Modern μέχρι τον Σεπτέμβριο. Ακόμα και ο Calvin Klein περιλαμβάνει ένα τόξο με αφηρημένες εκτυπώσεις.

Όπως λέει ο Βρετανός σχεδιαστής Jonathan Anderson, παρουσιάζοντας συλλογές μη κερδοσκοπικού χαρακτήρα που οι κριτικοί έχουν σκεφτεί για μεγάλο χρονικό διάστημα: «Για μένα, η μόδα δεν υπήρξε ποτέ μορφή τέχνης, δεν μπορείτε να συγκρίνετε έναν καλλιτέχνη και έναν σχεδιαστή. Η διαφορά είναι ότι η τέχνη δεν πέφτει στις πωλήσεις, αλλά αντίθετα, με την πάροδο των ετών αυξάνεται η τιμή της, αλλά ένα σπάνιο φόρεμα μπαίνει στο μουσείο μόδας.

ΕΛΕΓΧΟΣ!

Μικρά δημοκρατικά εμπορικά σήματα έχουν από καιρό αγαπηθεί να χρησιμοποιούν την τέχνη για εμπορικούς σκοπούς, αλλά το κάνουν συνήθως με μετωπιαίο τρόπο. Φροντίστε για αμφίβολα μπλούζες ή τσάντες με αναπαραγωγές της Bosch, Van Gogh ή ένα κουτάκι της σούπας Campbell. Εάν δεν είστε έτοιμοι να πληρώσετε για το έργο ενός μεγάλου καλλιτέχνη σε μια ακριβή φούστα, είναι προτιμότερο να επιλέγετε τα πράγματα με αφηρημένες εκτυπώσεις - υπάρχουν, για παράδειγμα, στη συλλογή Zara. Μια καλή αγορά θα είναι κάτι από τη συνεργασία με τους σύγχρονους καλλιτέχνες. Και θυμηθείτε το κύριο πράγμα - τα ασυνήθιστα πράγματα απαιτούν προσεκτική λειτουργία: συνδυάστε τα με κάτι μινιμαλιστικό και αφήστε την υπερτροφική εκκεντρότητα στους Joan Aguzarova και Andrei Bartenev.

Φωτογραφίες: Tate Modern, Getty Images (4)